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Dans l’univers des médias, un engagement plus « expressiviste » se lit aujourd’hui à travers l’essor et la multiplication des dispositifs d’autoproduction ou de production de soi que constituent les sites per-sonnels, les blogs et leurs technologies appareillées (syndication* ettags*), ainsi que les réseaux sociaux d’échanges entre pairs et leurs pratiques associées (podcasting, fansubbing, fanfilms…). À l’heure où l’identité numérique semble être devenue une notion clé pour le réseau Internet, ce volume des Essentiels d’Hermès propose – à partir de la relecture de textes issus des sciences de la communication et de l’anthropologie des techniques – de mettre en lumière les ressorts et dilemmes de la présence en ligne et de l’« être ensemble », ou autrement dit de la communi-cation à l’ère numérique...
Comment se regarder voir ? La Société i Matériel développe des dispositifs de vision qui nous engagent à interroger les machineries numériques et les images posées au-devant d'elles, qui nous concernent et que, souvent, nous leur fournissons même avec un certain plaisir... Dans quelle mesure ces machineries qui nous entourent fabriquent un paysage écran ? Qu'en est-il finalement de notre relation à cette notion de paysage peut-être obsolète ? Car, désormais, l'art ne peut probablement que (dé)jouer l'image entre les lignes pour afficher, souligner, son caractère expérimental, voire son rôle de franc-tireur.
L’artivisme est l’art d’artistes militants. Il est parfois l’art sans artiste mais avec des militants. Art engagé et engageant, il cherche à mobiliser le spectateur, à le sortir de son inertie supposée, à lui faire prendre position. C’est l’art insurrectionnel des zapatistes, l’art communautaire des muralistes, l’art résistant et rageur des féministes queers, l’art festif des collectifs décidés à réenchanter la vie, c’est l’art utopiste des hackers du Net (hacktivistes d’une guerilla teckno-politique), c’est la résistance esthétique à la publicité, à la privatisation de l’espace public… Dans cette galaxie, on trouve JR, Zevs, les Yes Men, les Guerilla Girls, Critical art ensemble, Reclaim the streets, Steven Cohen, Reverend Billy, etc. Sur près de 200 pages largement illustrées, Artivisme dresse un état des lieux des pratiques contemporaines d’art radical.
Click De nos jours, le « tournant numérique » représente l’une des questions centrales au sein des sociétés du monde entier ; il concerne donc naturellement les arts du spectacle. Ce mapping explore la façon dont les technologies numériques sont utilisées dans les différentes étapes du processus artistique (création, production, diffusion, archivage, etc.) et dans quel but (inspiration, engagement et développement du public, marketing, partage, etc.). Présenté sous la forme d’une partie théorique solide associée à de nombreux exemples venus d’Europe ou d’ailleurs, ce mapping offre une vue d’ensemble de la situation du spectacle vivant à l’ère du numérique (qui est également le thème de la prochaine réunion plénière de printemps de l’IETM à Amsterdam en avril prochain).here to edit the content
Les pages qui suivent sont extraites d'un ouvrage d'Abraham Moles, « Art et ordinateur ». Sans entrer dans le domaine de tel ou tel art en particulier, il envisage les conditions générales de la création artistique par le moyen de la cybernétique, quel qu'en soit le champ d'application. Il renouvelle ainsi la notion même d'esthétique, envisage le rôle nouveau qu'elle pourrait être appelée à jouer.
Les progrès des ordinateurs ont conduit à réaliser certaines ébauches de création artificielle. Un certain nombre de processus appartiennent déjà au domaine de la machine ; il est intéressant de s'assurer de la part qu'ils jouent dans le phénomène principal : variations systématiques autour d'un modèle, adjonction d'éléments supplémentaires de variété limitée (décoration), exploration systématique d'un champ des possibles (art permutationnel), comminatoire, etc. Une machine est parfaitement capable de sortir des séries de nombres ou de mots les uns au bout des autres, c'est-à-dire de se livrer aux barbouillages du chimpanzé peintre ou aux bafouillages du discours automatique, elle peut aussi reproduire indéfiniment les discours du perroquet. Mais il est certain qu'elle est incapable de reconstruire une tragédie de « Racine » (ou même de R.A.C.I.N.A.C... Rythme autogenerator, correlator, integrator, notionalyser and computer). ...
En une décennie, le monde des médias et de l’image a été profondément bouleversé sous le double effet d’Internet et des nouvelles ergonomies visuelles/numériques. En passant de deux Dans le contexte d'une modification profonde du monde des médias et de l'image, cet ouvrage examine l'hypothèse selon laquelle l'image se trouve placée dans une négociation entre des enjeux et des finalités d'invention technologique et de création scientifique ou artistique. Plusieurs cas et oeuvres impliquant des images interactives négociées sont ainsi étudiés, entre art, science et technologie.
Gilbert Simondon avait promu l´idée d´une nouvelle culture technique passant par la connaissance des objets techniques qui nous entourent et introduisent de nouvelles médiations avec le monde extérieur. Le livre coordonné par Jean-Paul Fourmentraux apporte une nouvelle dimension puisqu´il s´agirait de défendre une culture des objets numériques afin de comprendre comment ils transforment notre relation au monde et notamment à l´art. Les objets numériques, tout comme les objets techniques de Simondon, ne peuvent pas se saisir dans leur simple utilité puisqu´ils informent notre perception du monde. Une phénoménologie de la perception virtuelle serait à écrire et certains chapitres de l´ouvrage en esquissent les principes.
Vincent Tiffon montre notamment, à travers l´expérimentation d´un dispositif XY, que le public est associé à la définition d´un nouveau type de sensorialité. L´idée est de faire participer le public à cette définition grâce à un dispositif sonore sans que le public ait à effectuer un effort quelconque. Le dispositif fonctionne comme un medium où les attitudes et la réception du public sont alors enregistrées. Le medium introduit une continuité entre la perception du spectateur et les objets présentés. Emmanuel Mahé va plus loin en proposant le terme de « pratiqueurs » pour désigner la manière dont les publics expérimentent la conception d´une œuvre d´art. « Les pratiqueurs produisent des sons en bougeant, frottant, ou grattant une des deux extrémités de la corde qui, virtuellement, se rejoignent donc dans "l´espace" Internet »....
Edition papier : http://www.amazon.fr/LEre-post-m%C3%A9dia-Humanit%C3%A9s-digitales-num%C3%A9riques/dp/2705683267
Co-édité par anomos et le festival @rtoutsiders / Maison Européenne de la Photographie, ce numéro 4 vient un peu en marge de la série anomalie digital_art. Il reflète la diversité des oeuvres et conférences organisées pour l'édition 2003 du festival sur le thème de l'art spatial.
Les oeuvres du Space Art ne sont pas simplement des projets de création, des propositions ou processus artistiques, elles sont plutôt de l'ordre des utopies. L'intérêt réside justement dans l'équilibre instable entre tension utopique et réalisme scientifique, entre élan visionnaire et rigueur technique.
Les interfaces servent de filtres de traduction entre l'humain et la machine. Elles annoncent des changements dont il est encore bien difficile de sonder la profondeur bien que l'on anticipe déjà qu'ils seront substantiels. Les interfaces se multiplient, s'incorporant à divers dispositifs dont elles rendent l'usage de plus en plus naturel. Bientôt nos vêtements vont s'ajuster à nos états d'âme et notre mémoire va se glisser dans nos poignées de main. Plus besoin de boutons ou de manivelles. Les écrans seront transparents, les commandes invisibles.
Or, on découvre peu à peu que de nouvelles formes de sensorialité surgissent à travers les échanges que l'on entretient avec les choses. Les interfaces introduisent discrètement d'autres façons de se relier aux autres et au monde. On découvre à travers elles des terminaisons inattendues, des zones de sensibilité encore inexpérimentées.
La proposition de ce livre est d’éclairer les relations de l’art et de la science à partir d’une sélection d’articles initialement parus dans la revue Hermès. Ces textes ont été pour la plupart écrits dans d’autres contextes, attachés à d’autres sujets : l’histoire des médias, la muséographie des musées de sciences, la définition du « droit d’auteur » pour les scientifiques sous contrat public, etc. Ils n’éclairent donc pas directement le sujet mais y portent des éclairages rasants, faisant saillir des détails, des aspérités particulières.
Quelques unes des questions propres à la relation des arts et des sciences font retour au fil de ces textes. Le plus apparent d’entre ces thèmes communs est celui de la technique. Jean-Paul Fourmentraux, dans son introduction, y porte toute son attention. Il s’attache spécifiquement aux arts numériques et aux formes artistiques prenant pour matière la technique informatique. Il y voit le signe de ce que l’art et la science « convergent vers la technique ». A cela, dans un second texte en dialogue à partir du livre La science n’est pas l’art (Hermann, 2010), Jean Marc Lévy-Leblond répond que pour lui « la science ne converge pas vers la technique, mais disparaît sous elle », et que « l’enjeu d’une discussion critique et profonde entre art et science amène justement à se poser la question de l’avenir de la science ». Ce dialogue introductif, exprimant des points de vue très contrastés, ouvre de nombreux angles de réflexion; nous y reviendrons.
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Ce dictionnaire couvre les divers aspects, techniques, esthétiques et historiques, entourant les arts développés par les technologies : art par ordinateur, vidéo, musique électroacoustique, holographie, copigraphie, installations interactives et multimédias, dispositifs de réalité virtuelle, etc. Il comprend plus de 2500 définitions, des descriptions de procédés, des références historiques, des noms de pionniers, des références bibliographiques, un index bilingue anglais-français et plus de 500 illustrations graphiques.
L’art actuel intègre de plus en plus des dispositifs interactifs. Il ne s’agit plus simplement de regarder une œuvre, mais de mettre la main à la pâte (se mouvoir dans l’espace, manipuler un objet, etc.) pour la faire advenir. Comment notre corporéité, notre perception et notre expérience esthétique s’en trouvent-elles transformées ?
L’auteure examine comment l’investissement sensorimoteur d’un dispositif interactif déploie l’œuvre et révèle les modalités de la perception stimulées par ce dispositif. Pour ce faire, elle nous invite dans la traversée de quatre installations interactives : Taken de David Rokeby, Cubes à sons/bruits/babils de Catherine Béchard et Sabin Hudon, BrainStorm de Jean Dubois et Mécanique Générale de Thierry Guibert.
Artistes, commissaires, critiques ou amateurs d’art, professeurs et étudiants pourront s’inspirer de cette démarche expérientielle pour interroger l’efficacité du dispositif interactif en lien avec la mise en œuvre et son expérience perceptuelle esthétique.
Les avatars, personnages et acteurs virtuels médiatisent notre présence dans les environnements interactifs et expérientiels du cyberespace. Agents d’interfaces ou personnages de jeux vidéo et d’univers ludiques, ces figures anthropomorphiques occupent un rôle de plus en plus important dans les interfaces numériques qui prolifèrent. Dans les univers imaginaires du cinéma, les personnages de synthèse mettent en jeu la question du réalisme de la représentation. Ils remplacent l’acteur humain ou encore ils interagissent avec lui en tant que partenaires, en créant de saisissants effets de présence. Dans les jeux vidéo, les figures de synthèse adoptent une apparence humaine et simulent le comportement du vivant. Dans les mondes en ligne du cyberespace, les avatars et acteurs virtuels remettent en question l’identité et la sociabilité. Ils transforment les arts de fiction, tout comme les modalités opératives des interfaces interactives. En effet, leur mode performatif place l’expérience au centre de l’action du sujet, il augmente ses puissances d’agir.
À travers ces avatars ou acteurs virtuels se tracent les enjeux de la présence médiatisée par les technologies ainsi que de la coprésence, soit la présence partagée dans un nouvel espace de socialisation. Par leur intermédiaire, les mondes en ligne et hors ligne s’interpénètrent pour façonner des réalités hybrides. Comment les avatars, personnages et acteurs virtuels interviennent-ils dans les différents univers numériques ? ...
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Sous quelles conditions un territoire est-il construit en regard de la programmation informatique? Comment reterritorialiser Internet à l'échelle du corps? Par où l'algorithme pénètre-t-il nos échanges symboliques? Avec la société i Matériel, puisqu'il s'agit de composer avec les flux d'informations, nous devons presque accepter de partir de nulle part et d'in-terminer notre développement. Aussi, loin de vouloir établir des catégories ou des principes prétendant établir un plan d'action, cette thèse se pose le problème de ce qui toujours, dans un programme, échappe aux codes; des nouvelles images telles qu'elles débordent les écrans et des milieux humains, profondément hybridés par les automates programmés. Pour penser les flux, il est indispensable de considérer un terrain, un fragment de milieu humain. Deux projets en rapport avec cette notion de territoire – une mission de service public visant à mettre en réseau un ensemble d'opérateurs culturels sur la ville de Bourg-en-Bresse, et une œuvre d'art numérique investissant, par le portrait social, la question d'une ré-appropriation individué des flux – nous permettront de faire progresser ce mi-lieu hyper-complexe entre le corps et le programme. En définitive, il s'agira de voir quels genres d'affect il nous est nécessaire de connaître afin que les réseaux numériques accompagnent une augmentation de notre puissance d'exister.
La matière première de l'art dans une société de l'information se compose de gré ou de force d'informations diffusées dans les médias pour les détourner de leur stricte fonction communicationnelle et les interroger dans des appareillages critiques. À partir d'œuvres hypermédias diffusées dans des installations ou sur les réseaux, la Société i Matériel se déploie comme une entreprise virale pour s'infiltrer dans le système de l'art et sur ce nouvel eSPACE que nous côtoyons quotidiennement, inexorablement augmenté par les technologies numériques.
Cet ouvrage de référence interroge les nouvelles formes prises par l’image-mouvement qui s’inscrivent dans un changement technique et sociétal où comme le note Félix Gattari « l’intelligence et la sensibilité sont l’objet d’une véritable mutation du fait des nouvelles machines informatiques qui s’insinuent de plus en plus dans les ressorts de la sensibilité, du geste et de l’intelligence. » Divisé en quatre chapitres, « Aux limites du cinéma », « Histoires d’interactivité », « Des formes d’un autre cinéma », « Une esthétique des informations », cet ouvrage donne la parole à des artistes, des philosophes, des critiques, des théoriciens et des scientifiques reconnus qui tous, partant du cinéma, en imaginent les nouvelles voies. Auteurs : Bertrand Augereau / Jacques Aumont / Yves Bernard / Samuel Bianchini / Jean-Louis Boissier / Victor Burgin / Jean-Claude Bustros / Jim Campbell / Luc Courchesne / Jean-Marie Dallet / Anne-Marie Duguet / Jean-Paul Fourmentraux / Masaki Fujihata / Georges Legrady / Alain Liedts / Julien Maire / Bernard Perron / Louise Poissant / Yannick Prié / Vincent Puig / Jeffrey Shaw / SLIDERS_lab [Frédéric Curien, Jean-Marie Dallet] / Bernard Stiegler / Steina Vasulka / Gwenola Wagon /
Les nouvelles technologies, c'est comme la langue d'sope: espace de libert ou instrument de contrle? Diversit culturelle ou uniformisation? Autonomie de l'individu ou massification et homognisation des comportements? Tout dpend videmment de leur usage.
Enfer ou paradis? c'est ainsi, dj en 1979, et propos de l'ordinateur, que Jean-Franois Lyotard concluait son ouvrage sur La Condition moderne. La seule faon de rsoudre ce genre d'alternative serait, aprs que l'on a admis que les nouvelles technologies influent sur nos modes de vie, de pouvoir rpondre aux deux questions suivantes: que bouleversent au juste ces outils et, surtout, dans quel but? Et le problme devient soudain beaucoup plus compliqu notamment lorsqu'il y a de l'avenir de l'art et de la cration. Contrairement une ide reue, les arts traditionnels, peinture, thtre, danse, etc., n'hsitent gure s'approprier ces instruments sophistiqus. Ils les intgrent dans leur processus cratif, parfois en les dtournant de leur fonction initiale, afin d'accrotre la force expressive de leurs uvres. Cependant, cette alliance n'est pas sans risque. Les nouvelles technologies faonnent de plus en plus une socit o les intrts conomiques, la performance, la consommation et le mercantilisme s'accentuent et tendent galement influencer l'art contemporain. La fascination de l'art devant les pouvoirs de la technique ne peut-elle signifier aussi la perte de son autonomie, tant revendique par le pass? L'art ne deviendrait-il pas, ds lors, le complice objectif du dsenchantement et de la dshumanisation qu'engendrent certaines de ces technologies dans le contexte du capitalisme libral qui caractrise notre socit?
Marc Jimenez
Les récentes percées biotechnologiques rivalisent avec celles des technologies de la télécommunication de ces dernières décennies. Mais la réception du public est souvent plus mesurée par rapport aux avancées biotechnologiques, qui suscitent même un sentiment d’incrédulité, voire d’inquiétude. En effet, en transformant le vivant et en créant de nouvelles formes de vie, les scientifiques remettent en question le concept fondamental, jusqu’à présent incontesté, de la nature et de la vie elle-même. Parfois d’une manière sensationnelle, les pratiques artistiques, comme le bioart et les biosystèmes artificiels, nous amènent aussi aux limites de nos croyances, rendant dépassées certaines de nos conceptions bien ancrées de la nature et des principes fondamentaux de la vie. Cet ouvrage présente divers écrits sur les biotechnologies, le bioart et les biosystèmes artificiels. Mettant sous le microscope certaines pratiques comme la culture de tissu humain, la manipulation génétique, le traitement de l’image et les codes ADN, l’appropriation du matériel de la vie ainsi que le corps et les signaux électriques humains, les auteurs soulèvent de nombreuses questions, aussi bien éthiques, écologiques, socio-politico-économiques et culturelles qu’esthétiques.
Alors qu’on y accède quotidiennement, la structure et le fonctionnement du réseau Internet restent obscurs pour beaucoup d’entre nous. On emploie régulièrement et abusivement le terme de cloud pour désigner globalement le réseau; ce terme évoque «une terre lointaine où les opérations informatiques sont réalisées, et non des hangars remplis de serveurs ». Cette seule idée de nuage trahit une perception largement erronée de la structure générale du réseau. De même, on se fait souvent une idée très schématique des services que l’on utilise quotidiennement. Selon Julian Oliver et Danja Vasiliev, tout le monde peut à peu près décrire le fonctionnement du système postal; au contraire, très peu de personnes sauront exposer le fonctionnement d’un échange d’e-mails. Or on envoie actuellement plus de courriels que de courriers (en 2011, on estimait à deux millions le nombre d’e-mails envoyés par seconde dans le monde3). Par ailleurs, peu d’utilisateurs connaissent l’existence d’algorithmes commerciaux ou gouvernementaux qui analysent les données qu’ils confient sur le réseau. On ne peut que spéculer sur leur fonctionnement ou inférer celui-ci par principes de rétro-ingénierie. Cette ignorance est souvent liée à l’invisibilité et l’imperceptibilité qui sont le propre du réseau. D’une part, par sa nature, il est très difficile, voire impossible, d’en réaliser une représentation globale. D’après Anna Munster et Geert Lovink, «la notion même de réseau est en conflit avec le désir d’en obtenir une vue d’ensemble». D’autre part, les technologies sur lesquelles il repose sont pour l’essentiel elles-mêmes invisibles: le WiFi ou le réseau téléphonique mobile, par exemple, sont des protocoles de communication sans fil, qui transmettent des informations via «des ondes qui flottent dans les airs». Enfin tout est fait pour «cacher» et «ranger» le réseau; les centres de traitement de données, pourtant bien physiques, sont souvent excentrés et cachés de la vue du public, les câbles qui acheminent l’information sont souterrains ou sous-marins, certaines antennes d’émission sont camouflées dans des arbres artificiels.
Décriées par les citoyens, les caméras de vidéosurveillance suscitent, depuis les années 1990, de virulents débats dans les sociétés occidentales. Mais qu’en disent et qu’en font les artistes ? Si certains artivistes contemporains ont choisi d’accompagner la résistance d’une partie de la population, d’autres créateurs se sont lancés dans des appropriations esthétiques et ludiques. Leurs démarches signent, au passage, non pas la fin d’une dénonciation de la société sécuritaire, mais une nouvelle forme de sensibilisation aux enjeux sociaux qui lui sont inhérents. S’éloignant de l’approche de Michel Foucault qui considérait que l’on surveille pour punir, ces artistes visuels proposent de sourire des dispositifs de contrôle de notre société hypermoderne et d’interagir avec eux. Examinant les travaux de Banksy, Jill Magid, Ai Weiwei, Michael Wolf et de bien d’autres, cet ouvrage analyse l’histoire récente, mais déjà en transformation, du regard numérique.
Sophie Limare est agrégée d’arts plastiques et docteure en esthétique et théorie de l’art contemporain ; elle enseigne les arts visuels à l’ESPE d’Aquitaine — Université de Bordeaux.
Version augmentée : http://www.parcoursnumeriques-pum.ca/surveilleretsourire Edition papier ici : http://www.amazon.fr/Surveiller-Sourire-Artistes-Visuels-Numerique/dp/2760635473
La collection 100 Notions a été imaginée par Ghislaine Azémard et Matthieu Quiniou. Elle regroupe autour de questions, de concepts, de notions liés à ce monde du numérique qui nous entoure, ce que nous pourrions appeler désormais des livres hybrides. Car ces objets sont à la fois des livres en version papier et en version électronique, sans cesse augmentés par de nouveaux documents visuels et multimédias, des notes, des commentaires, disponibles sur Internet www.100notions.com.
En effet comment imaginer les nouveaux territoires du futur? Et quelles oeuvres d'art pourront ou seront associées à sa construction et en formuleront une position critique? 100 Notions pour l’Art Numérique est le deuxième volume de cette collection. Celui-ci a été écrit avec le concours d’artistes, de critiques, de commissaires d’expositions mais aussi d’universitaires dans des champs disciplinaires comme l’art et l’histoire de l’art, les mathématiques, la sociologie, les sciences de gestion, les sciences politiques, l’anthropologie visuelle, les sciences de l’information et de la communication.
Tous les contributeurs sont attentifs à une vision interdisciplinaire et internationale de cette relation entre art et société, confrontés aux technologies numériques… En effet il ne s’agit plus de construire un système cloisonné, bâti sur un communautarisme étriqué mais bien d’essayer de tisser des liens entre économies, politiques, arts, cultures et sociétés, afin que l’Autre, dans cet environnement abstrait mais bouillonnant d’un avenir encore à inventer et à comprendre, ne soit plus un étrange® mais un individu reconnu par et pour ses différences fondamentales de ®connecteur au Monde.
Ainsi 100 Notions pour l’Art Numérique s’adresse non seulement au monde de l’art, mais — peut-être de manière très utopique — à toute personne attentive au numérique qui souhaite comprendre, développer de nouveaux dispositifs aux frontières de plusieurs champs d’expériences et, ou, participer à cette formidable révolution en marche.
Depuis la fin des années 90, un « retour à la programmation » se confirme dans la production d’oeuvres numériques. Bien que l’artiste ne soit plus obligé d’être programmeur pour utiliser sa machine comme au temps des « pionniers » de l’art par ordinateur des années 60/70, la pratique du code devient un moyen contemporain d’affirmer une certaine indépendance intellectuelle et créative…
En rassemblant un panel de textes originaux et/ou inédits en français, ce livre placé sous la direction de David-Olivier Lartigaud propose d’analyser et de comprendre cette nouvelle approche de la question art/ordinateur à travers un aperçu unique de la pensée contemporaine en ce domaine. ...
Contributeurs : Inke Arns, Samuel Bianchini, Andreas Broeckmann, Christophe Bruno, Wendy Chun, Geoff Cox, Florian Cramer, Anne-Marie Duguet, Jean-Paul Fourmentraux, Darko Fritz, Matthew Fuller, Alexander Galloway, Olga Goriunova, Graham Harwood, Wilfried Hou Je Bek, Anne Laforet, David-Olivier Lartigaud, Geert Lovink, Nathalie Magnan, Alex McLean, Karen O’Rourke, Miller Puckette, Gilles Rouffineau, Antoine Schmitt, Nicolas Thély, Sylvie Tissot, Jo Walsh, Adrian Ward.
Les biotechnologies promettent pour très bientôt des découvertes fondamentales et des développements majeurs au niveau des traitements médicaux, de l'accroissement de la production agricole, de la cartographie complète du génome de plusieurs espèces, de la reconfiguration de l'humain sur mesure. Leur puissance annoncée fascine et inquiète.
Ces technologies soulèvent de nombreux doutes et posent des questions qui ne connaissent pas de réponses simples. Des théoriciens et des artistes internationaux abordent ces questions en présentant des recherches et des réalisations artistiques situées au croisement de l'art, de la science et des systèmes artificiels.
Conçu et réalisé par Jason Martin, un DVD accompagne le livre et compile près de mille œuvres produites par plus d'une centaine d'artistes.
Le dévédérom inclus avec ce livre peut être lu avec Windows® 2000 et XP. Configuration minimale : Pentium III, 128 Mo de RAM. Macintosh OS X : Power Mac G3, 128 Mo de RAM.
Les personnages virtuels se multiplient depuis quelques années dans les arts médiatiques et les arts de la scène en empruntant plusieurs apparences. Ils se situent dans la lignée des êtres artificiels ayant peuplé l’histoire humaine au sein de représentations fantasmagoriques, que ce soit sous forme d’ombres, de doubles ou de spectres ayant le pouvoir de s’animer. En effet, les figures du simulacre jouant sur l’illusion perceptive ou sur les leurres sont aussi anciennes que la faculté de symboliser. Au sein des représentations contemporaines, elles partagent la scène avec l’acteur ou le danseur en chair et en os, par le truchement de projections d’images ou en s’incarnant dans des automates issus de la robotique. Dans les mondes fictionnels du cinéma numérique, ces figures anthropomorphiques relèvent de l’animation de synthèse.
Aborder la question du Net art expose d’emblée à deux difficultés majeures : la première provient de la diversité des approches artistiques et des formes soumises à la manipulation du public, tandis que la seconde découle de l’incontournable question de la finitude d’œuvres « toujours à faire » et dont le processus éternellement en cours implique étroitement le destinataire. La question n’est pas simple car l’internet ouvre à l’art des perspectives que les méthodes traditionnelles d’analyse ne suffisent pas à traduire, à comprendre. Privilégier le point de vue de l’organisation sémiotique se révèle insuffisant car, par essence, les productions du Net art sont ouvertes et offertes. Conçues comme des énoncés ouverts, elles opèrent, selon Jean-Paul Fourmentraux, par la multiplication des inscriptions topologiques et pragmatiques, d’où l’intérêt particulier porté par ce dernier dans cet essai« à la formation qu’à la forme de l’œuvre ». Dans un ouvrage composé en trois parties et sept chapitres, synthétisant et mettant en perspective plusieurs travaux antérieurs (rapports de recherche remis à la délégation aux arts plastiques du ministère de la Culture et de la Communication en 1999 – Culture visuelle et art collectif sur le Web –, et en 2001 – Entre l’artiste et l’informaticien : un espace de médiation, traduction, négociation –, thèse de doctorat portant sur la sociologie du Net art soutenue à l’université Toulouse 2 en 2003), Jean-Paul Fourmentraux adopte le renversement de questionnement proposé par Nelson Goodman (Langages de l’art, 1968, Nîmes, J. Chambon, 1990) et Gérard Genette (L’œuvre de l’art. Immanence et transcendance, Paris, Éd. Le Seuil, 1994) et s’emploie à interroger « le quand et le comment […]
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